Mérital Cinécrophiliac

Sick Nurses - Suay Laak Sai (2007) - Piraphan Laoyont & Thodsapol Siriwiwat

Sept jolies infirmières se consument d'amour pour un médecin crapuleux et sont agressées par un fantôme venu accomplir une vengeance implacable...

Une sucrerie gorette à la fois exotique et respectueuse de ses influences.

Bien sûr, c'est mal joué, la distribution a été recrutée pour ses qualités plastiques et non pour ses capacités à nous émouvoir.

De plus, la véhémence du propos se fait bien timide comparer à la sauvagerie graphique.

Il faut dire qu'il n'est pas évident de traiter des sujets aussi délicats que, par exemple, l'homosexualité refoulée, l'anorexie et le culte du corps dans ce genre de production dite "bis".

De même, le film ne fait pas vraiment peur, la faute à des procédés bien souvent obsolètes. Cependant, l'objet demeure très réjouissant quand nous prenons la peine de décortiquer les bonnes volontés des artisans ici au travail.

La trame générale, d’un premier abord très classique, se retrouve totalement libérée au fur et à mesure de notre avancée par le biais d’une mise en scène dynamique et colorée à la fois kitsch (pour les non-allergiques donc) et moderne.

En effet, nous passons allégrement à des ambiances teintées 70's du cinéma italien et 80's des slashers américains.

De même, les références oscillent entre la foire à la tripaille d'un Herschell Gordon Lewis, voir d’un Peter Jackson des débuts (quand on rigole…), à la vague des "Yurei Eiga" (films de fantômes japonais), sans pour autant s'en imprégner totalement.

Balisée de mises à morts sanglantes et inventives, l'oeuvre s’avère coquine, parfois douteuse vicieuse même, mais toujours dans un esprit visant à nous divertir.

25ème heure, point de non-retour: tout bascule et le film de prendre sens en enfantant d’une multitude d’idées folles tour à tour attendrissantes puis répugnantes mais toujours surprenante, et ce jusqu’au dénouement.

Au final, nous ressentons une sensation assez unique, coincée entre le festival coloré et la noirceur létale incarnés par cet hôpital circassien et maléfique.

Il nous reste sur les bras, d'un côté, de la poésie frivole, et de l'autre, du sadisme écrasant.

Curieux et marquant.

Secret Sphere, la sophistication incarnée du métal italien.

Le summum du métal néo-romantique à la fois sensuelle et technique, leur musique dégage une essence qui démarque le groupe d'une scène "speed-mélodique" déjà bien fournie.

Aldo Lonobile initie l'entité piémontaise en 1997 : on se cherche au départ mais le line-up restera stable de 1998 à 2003.

Après une démo auto-produite (Between Story And Legend), leur premier album sort en 1999 chez Elevate Records, sous le nom de Mistress Of The Shadowlight.

Enregistré et produit aux célèbres studios New Sin par Luigi Stefanini, l'oeuvre a une bonne presse: c'est un succès.

On nous propose un produit typique du genre, très "fantasy" (mouvance Rhapsody oblige) mais épuré de la grandiloquence du grand cousin: du speed épique avec mélodies bien "catchy" et taillées pour être ancrées dans les mémoires un bon moment.

Un cas d'école bien emballé et propre sur soi.

Le groupe ne tarde pas à sortir un second effort, virage déterminant pour la suite de leur carrière: ainsi, A Time Never Come voit le jour en 2001.

Le son est différent et les compositions s'étoffent: maturité, originalité et énergie sont de mises.

L'oeuvre explose le classicisme, certes plaisant de l'album précédent. Superbement écrite avec des envolées lyriques d'une puissance de feu rare couplées à une recherche émotionnelle s'appuyant bien souvent sur la voix puissante et languissante de Roberto Messina: la pièce se paye même le luxe d'explorer des sensations nouvelles via l'utilisation d'instruments et de procédés peu coutumiers du genre.

A découvrir/ redécouvrir absolument.

2002, une signature avec Nuclear Blast en poche, Scent Of Human Desire voit le jour une année plus tard.

A la fois très technique, symphonique mais aussi heavy/rock. Secret Sphere tente ici de se séparer plus encore de la scène power métal italienne traditionnelle.

L'importance des claviers, la basse presque constamment doublée, expérimentation des rythmes et des outils, abandon des thèmes "fantaisistes": nous nous approchons de l'univers métal progressif.

Une approche seulement, puisque l'émotion et le feeling heavy propre au groupe sont toujours présents.

On atteint ici le summum de leur recherche musicale. Quel chemin parcouru depuis leur premier effort!

Après plusieurs changement de batteurs, Secret Sphere offre Heart and Anger en 2005.

La recette magique de Scent Of Human Desire est gardée puis digérée pour nous proposer un développement de la formule découverte.

La surprise en moins, force est de constater pourtant que le groupe gagne en maîtrise technique et s'amuse à préserver ses références très heavy 80's.

Une continuité logique.

Nous arrivons ainsi au futur proche: le cinquième album nommé Sweet Blood Theory sortira le 24 octobre 2008 en Europe...

Pour se faire une idée, voici les liens vers leur My Space et leur site officiel.

Jodhaa Akbar (2008) - Ashutosh Gowariker

Ashutosh Gowariker.

Un nom maintenant familier, synonyme d'élégance et de sophistication.

L'homme qui a mis en scène le mondialement reconnu et pourtant surestimé Lagaan: Once Upon a Time in India, celui-là même qui nous a livré l'intimiste et touchant Swades: We, the People, oui, cet homme là, revient 4 ans plus tard pour accoucher (dans la douleur) de cette fresque historique très alléchante sur le papier.

Au 16ème siècle, le Grand Empereur et conquérant Moghol, Jalaluddin Muhammad (Hrithik Roshan) a envahi l’Hindoustan et arrive sur le royaume des Rajputs: des tensions s'installent entre musulmans et hindous. Afin d’éviter un conflit sanglant, les Rajputs donnent leur fille Jodhaa (Aishwarya Rai) en mariage à Jalaluddin qui accepte…

D’emblée, nous sommes rassurés, Gowariker arrive à apporter le souffle héroïque de Lagaan en prenant soin d’escamoter cette naïveté embarrassante grâce à l’adjonction de cette "fureur amoureuse" qu’augurait déjà la somptuosité d’un Swades. Le contexte historique étant bien réel, les faits, eux, dixit le réalisateur pour se protéger des foudres de son pays, ont été romancés voir inventés sur certains aspects.

L'absence de danse du couple explosif formé par Hrithik Roshan et Aishwarya Rai aurait été impardonnable. Seulement voilà, en contre-partie et ceci afin d’ajouter du crédit à leur statut d’êtres divins pas si monolithiques, on nous propose à la place des duels aux sabres s’inspirant du wu xia moderne Est asiatique.

Mêlé au charme hindou, nous obtenons ainsi une recherche esthétique originale et réjouissante: une bouffée d’air frais indéniable sortant l’œuvre des passages obligatoires du genre.

Alors certes, les relatives faiblesses des compositions d'A.R Rahman décevront un peu: l’oeil prendra donc ici le pas sur l'oreille.

Beaucoup y verront une ode à l'amour mais, de par les choix narratifs, il s'agirait plutôt d'un hymne à la tolérance.

Une fable épique de 3h30 nécessite de notre part une certaine exigence.

Première impression, c'est magnifique.

Dernière impression, c'est magnifique. Et ce malgré un manque de rythme certain et, au final, une légère carence émotionnelle déroutante.

Malgré cela, ces défauts seront irrémédiablement effacés de nos mémoires pour laisser place au plaisir procuré par la vision de ce tableau de maître.

La mise en scène flamboyante, le couple Roshan - Rai magique, la profondeur du propos traitée d'une façon à la fois sensible et cruel: trois facteurs réunis nous encourageant à tomber amoureux pour la vie.

C'est rare: cela n'arrive qu'une fois.

http://www.jodhaaakbar.com/

Zombie strippers (2008) - Jay Lee

Dans un futur proche, Kat, une jeune strip-teaseuse de Sartre, une ville tranquille du Nebraska est infectée par un mystérieux virus. Elle devient un zombie assoiffé de sang lui donnant des allures de tueuse lorsqu'elle fait ses shows. Elle devient l'attraction le plus populaire du club, rendant par cette occasion les autres filles terriblement jalouses. Mais le virus commence alors à se répandre...

Sexy, gory et funny.

Une belle pièce à mettre à part sur le vieux visage buriné des horror-movies américains.

Du cinéma Z née bien souvent de nouvelle forme d'exploitation, dans tous les sens du terme.

Car oui, l'idée initiale (à "exploiter"), il ne faut pas se voiler la face, c'est de faire jouer des pornstars dans un film de zombies.

De quoi amenuiser toutes prétentions un tant soit peu intelligentes, en effet, sauf si...

On nous propose une invitation à un voyage dans un futur proche, une virée un peu fauchée dans sa forme et son déroulement, pourvue tout de même de SFX de bonne qualité, silicone compris.

Cependant, les filles du pays sont jolies, Robert Englund toujours aussi cabotin et l'hemoglobine chiche, pour un objet filmique non-identifié mais décomplexé, honnête, divertissant, jolie (oui oui) et dynamique.

Bref, cela donne du plaisir, on s'amuse, on pleure, on rit: c'est la vie (et la mort) de Roxy, Jenna, Shamron, Penny... Contrat rempli. Merci Jay Lee et Headquarters.

The Ruins (2008) - Carter Smith

Quatre jeunes Américains voient leurs vacances mexicaines tourner au vinaigre lorsqu’ils se retrouvent au beau milieu d’une jungle hostile dominée par une ancienne pyramide Maya présente sur les lieux depuis des millénaires…

Survival et teenager font-ils bon ménage? D’expérience, nous avons été témoin de bonnes surprises, mais, plus récemment pas vraiment (The Descent étant tout de même très grave et adulte et, heureusement, éloigné des artifices coutumiers de la vie passionnante des adolescents).

L’émulation formée par le quatuor d’acteurs Shawn Ashmore, Laura Ramsey, Jonathan Tucker et Jena Malone est de qualité pour ce genre de production. Seulement voilà, autant d’implication, de charme et de potentiel émotif gâchés par des dialogues désastreux.

L’intérêt et l’originalité du synopsis de départ (une adaptation du roman de Scott B. Smith - l’auteur d’un Plan si simple – par lui-même) se trouvent être gâché par une absence totale de traitement de la psychologie des personnages réduits à être de la chair à canon.

En parlant de chair, l’œuvre est émaillée de son lot de (longs) plans gratuitement gores (passages maintenant obligés depuis l’avènement des Saw like) mais aussi d’une volonté, grâce à son rythme soutenu et réussi, de tenir le spectateur à la gorge et ne plus le lâcher jusqu’à la fin. Alors, cette fameuse fin, oui, cette dernière scène (grecque), où nous comprenons:

1- Qu’il est possible que nous ayons affaire à une gigantesque comédie (involontaire?) 2- Par là-même, pourquoi nous ne sommes pas nombreux à rire aux éclats sur 2 ou 3 scènes précédentes…

Le choix de privilégier le concret à l’abstrait est courageux. Libre à nous de nous questionner, au beau milieu d’un "Qu’est ce qu’on fait? Je ne sais pas. Et toi, tu pense quoi?", sur un possible parallèle avec une société tuméfiée voir avec un ravage pandémique. De même, libre à nous de contempler le potentiel de la menace émanant de cette pyramide maudite.

Pour se faire, le film bénéficie d’un esthétisme très plaisant, la faute à l’œil (bien) éclairé de Dariusz Kondhji mais se trouve dotée d’une mise en scène juste académique venant de la part d’un photographe de mode réputé comme Carter Smith.

Un produit honnête et intéressant doté d’une puissance de feu trop souvent canalisée par ses maladresses et son absence de fond totalement étouffé par "la forme végétative dense et luxuriante" de son sujet.

En plus d’être l’un, que dis-je, l’acteur le plus important de l’histoire du cinéma indien, Raj Kapoor se trouve être, sans doute, un réalisateur d’une audace, d’une créativité et d’un intérêt absolument inégalable.

Et c’est à cette activité très méconnue en France que j’aimerais qu’on s’intéresse ici, puisque aucun éditeur n’a daigné sortir l’une des 10 œuvres composants sa modeste mais sublime filmographie en tant que metteur en scène.

Donc, Raj Kapoor (1924 – 1988) fils d’acteur, à 5 ans, il quitte Peshawar pour Mumbai, la capitale artistique nationale et à 24 ans, il crée sa maison de production R.K. Films.

Plus d’information sur sa biographie sur wikipedia.

Sa fiche IMDb.

Sa filmographie en tant que réalisateur:

1948: Aag (Le Feu)

1949: Barsaat (La Mousson)

Une ode à l’amour, tout à tour d’une sombre mélancolie à se rendre malade mais aussi d’une pureté absolument éblouissante.

En cela, la beauté du décor, naturel, s’impose joliment au beau milieu des protagonistes.

La maîtrise technique de la réalisation de Kapoor tâtonne encore mais c’est de part la force du traitement de son sujet et les moyens mis en œuvre qui forcent le respect.

Très contemplatif pour du bollywood, l’œuvre possède un charme unique et nous permet de découvrir l’étendu du talent de Lata Mangeshkar, alors jeune interprète de toutes les sublimes chansons émaillant l’œuvre et en passe de devenir la star que nous connaissons aujourd'hui.

1951: Awaara (Le Vagabond)

Une réflexion sur la société, sa corruption et son influence sur le destin de chacun.

Raj y campe un pauvre jeune homme, simple et naïf (une récurrence par la suite), qui malgré les difficultés et les coups durs reste toujours joyeux. En cela, l’homme sera qualifié de Chaplin indien, pourtant la comparaison s’arrête totalement là, à mon avis.

Ici, l’œuvre est totalement maîtrisée: le fil narratif demeure en totale adéquation avec une délicieuse alchimie entre la musique et le visuel. Le tout étant servi par une photographie élaborée, très contrastés pour accentuer les traits délicats des acteurs mais aussi et surtout, renforcer, le caractère onirique voir allégorique régnant en maître sur le film (Rhaaaa Ghar aaya mera pardesi…).

Un succès planétaire.

1955: Shree 420 (Mr. 420)

1964: Sangam (Confluence)

Un classique triangle amoureux mais renforcer là encore par un caractère onirique omniprésent. Une sorte de masala contemporain (avant l’heure, donc) mais autrement plus riche.

Riche en couleur (sa première incursion dans ce domaine), en recherche esthétique (une merveille de chaque instant) et en sensations (à la fois joyeuses et tristes).

Du romantisme à l’état pur, de l'évasion, du talent à profusion: signe d’un auteur, d'un artiste, d'un génie.

1970: Mera Naam Joker (My Name Is Joker)

1973: Bobby

1978: Satyam Shivam Sundaram (Love Sublime)

Le summum de ce que Raj Kapoor pouvait livrer dans les années 70 (pourtant une période de crise commerciale le concernant).

Une ode à la sensualité et à l'illusion: à l'amour.

Raj ouvre ainsi une porte autrement plus sexuelle, en apportant moult scènes incluant des actrices plus adorables et suggestives les unes que les autres.

D’ailleurs, Zeenat Aman possède cette indécence, ces courbes, cette beauté, cette lascivité…

Une contemplation initiale des plus plaisantes, un final admirablement rythmé, des musiques envoûtantes et mythiques.

La frontière entre le concret et l’abstrait se trouve être des plus fines et Raj le prouve ici d'une très belle manière en nous proposant une œuvre riche et puissante où l’essence divine côtoie l’illusion humaine.

Perfect.

1982: Prem Rog (Love Sickness)

1985: Ram Teri Ganga Maili

Une de mes scènes les plus fameuses.

Celle dite "du puits" dans Evil Dead III, Army Of Darkness de Sam Raimi (1992), située au début du film.

Une succession de plans serrés et larges très astucieux. Une multitude d'effets délicieux à la fois comiques et gores par le biais d'accélérés contrôlés et de gros plans exagérés chers au réalisateur qui n’était pas (encore) en manque d’imagination et d’inspiration sur cette œuvre dédiée au travail de Ray Harryhausen et à l’humour d'un Tex Avery.

On plante le décor.

L’antihéros de la trilogie, Ash (l'énorme Bruce Campbell), se retrouve propulsé au Moyen-Age par le Necronomicon.

Il est tout de suite fait prisonnier par l’armée du seigneur Arthur pour être amené au château devant un puit inquiétant afin d’être mis à mort en compagnie d’autres prisonniers.

L’exécution commence, l’un des hommes est jeté au fond du puits…

"Tu vois quelque chose, toi?" Demande un garde à son collègue d’en haut d’une tour de gué.

Grand silence…

Gros plan sur le visage de Ash. La couleur rouge affichée sur sa face nous annonce le pire mais quoi?

Une énorme (bien trop énorme pour un seul homme) colonne de sang émerge du puits.

Une exagération transformant cette situation dramatique en un effet burlesque.

Premier et presque dernier effet gore, la surprise est de taille, on ne s'attendait vraiment pas à cela : d'où l'hilarité générale.

Après moult tergiversions bien rigolotes, c’est au tour de Ash. On lui jette une pierre à la tête, il perd l’équilibre. Beau plan large vue du puits qui annonce l'enfer se trouvant en bas.

Les jambes d'Ash apparaissent d'une longueur surréaliste renforçant toujours l'aspect comique. Avant de tomber au fond du puits, juste au moment de sauter, l’homme nous gratifie d’un joli salto avant.

Dans le puits. Gros plans sur la tête ahurie de Ash nous ramenant directement au final des deux premier opus. Nous constatons qu’il visualise son environnement, pas nous...

Renforcement de notre inquiétude.

Silence.

A notre tour, nous découvrons le lieu via un panoramique à 360° avec pour point d’ancrage notre héros préféré.

Silence.

En référence à l'événement précédent, il va se passer quelque chose de dantesque, c’est sûr…

Un monstre ninja apparaît soudainement du milieu des eaux.

Le combat avec le monstre du puits fait rage et commence par le biais de plan large malgré l'étroitesse du lieu. On revient vers les gros plans pour renforcer l'aspect souffre-douleur de Ash et aussi la substance "cartoon" du film via les grimaces de l’acteur.

Notre antihéros étant en mauvaise posture, une bonne âme balance son arme fétiche dans le puits.

La délivrance.

En référence au tableau de Michel-Ange, Ash ne touche pas le doigt de dieu mais dans les airs, réussi à emboîter sa tronçonneuse directement sur son moignon du premier coup.

Maintenant « invulnérable », l’homme fait un massacre.

Pause improbable, réplique qui claque, gnon dans la figure, découpage en bonne et due forme: la machine Ash tourne à plein régime pour notre plus grand plaisir !

Notre héros est attachant, drôle mais pas sympa. On assombrit son visage pour passer du cartoon potache à une ambiance plus "comics" (autre source d’inspiration de Sam Raimi, déjà réalisateur de Darkman, puis, par la suite des Spider-Man, forcément, ça ne s’invente pas…)

...Du grand art...

Quel plaisir procuré par l’écoute du dernier album du groupe Labyrinth, 6 Days To Nowhere! Une joie inattendue puisque le groupe originaire de Massa revient de loin...

Formé en 1991 grâce à la brûlante association entre Fabio Lione (futur chanteur d’Athena puis des désormais célèbres Rhapsody), Olaf Thorsen (Carlo Andrea Magnani, maître à penser, guitariste / compositeur, maintenant consacré à Vision Divine, le petit cousin) et Anders Rain (Andrea Cantarelli, pièce maîtresse du groupe).

Après une démo et un E.P, c’est en 1996 que la formation sort son premier album, No Limits.

L’effet d’une bombe. L’importance des claviers, un chant haut-perché, une paire de guitare talentueuse et inspirée font que cette offrande dédiée au heavy speed mélodique limite progressif connaîtra un bon succès populaire en Europe, certes, mais aussi dans d’autres pays comme le Brésil, le Japon, la Corée… Via des hits comme Piece Of Time, Dreamland et No Limits le monde découvre enfin le nouveau visage du heavy italien.

L’album qui déclenchera toute cette ébullition Méritalienne…

Sur ce, Fabio Lione quittele groupe et enfoncera le clou grâce aux coups de butoir de sa future formation qui enchérira dans le domaine de la grandiloquence orchestrale mélodique, Rhapsody... Premier coup dur… Pour encore mieux rebondir.

En 1997, Roberto Tiranti (Rob Tyrant) prend en charge les vocalises et impose sa patte féline sur le style Labyrinth. Un chant plus contrasté, plus puissant dans les graves et bien plus sensuel dans les aigus. Une bonne opération doublée de l’arrivée en renfort du talentueux Andrea De Paoli au clavier et du carré Mattia Stancioiu à la batterie. Une signature sur le label le plus important du moment (Metal Blade) et l’équipe est fin prête pour sortir son deuxième album.

Return To Heaven Denied sort en 1998 et c’est un succès. La sophistication des morceaux, leur caractère entraînant, leur puissance, leur sensibilité font que le groupe devient la sensation du moment. Il faut écouter le titre Moonlight pour se rendre compte combien le groupe aime se renouveler en changeant souvent de rythme, en imposant des breaks épiques quasi-progressifs tout en ne relâchant pas la pression et continuer à saper tout espoir de retrouver son souffle. On ne le retrouvera pas, noyé par ce déluge de mélodies imparables : du grand art!

2001, trois ans que le groupe se cherche, tourne beaucoup et c’est dans la douleur que sort Sons Of Thunder en 2001.

Malgré une production longue et catastrophique, cet album concept est très bien accueilli en Italie et au Japon. Seulement, voilà, le mauvais choix du producteur aura raison des plus belles compositions du groupe et ainsi à défaut d’être l’album de la consécration, ce dernier sera reconnu comme étant l’album de la déception.

En 2002, Olaf Thorsen, l’un des principaux compositeurs du groupe, s’en va pour se consacrer exclusivement à Vision Divine.

Le doute s’installe.

En 2003, le groupe signe chez Century Media pour accoucher de leur album éponyme, Labyrinth.

Là encore, une grosse déception. Malgré quelque fulgurance, la vie semble avoir déserté l’âme du groupe pour nous laisser une œuvre inerte et sans saveur.

L’arrivée en renfort de l’expérimenté Pier Gonella à la guitare en 2004 et sa participation à l’écriture du prochain album vont finalement redorer le blason du groupe italien.

En 2005, chez Arise Records, ils nous livrent Freeman et s’aventurent dans une voie bien plus agressive tout en nous assénant des mélodies plus accrocheuses les unes que les autres.

Une parfaite alchimie donc mais aussi une évolution témoignant d’une maturité indéniable: les ambiances diverses et variées nous entraînent vers une modernité et un équilibre faisant défaut aux deux précédents albums. Labyrinth est enfin libre, libre de nous délivrer les fruits de sa métamorphose.

En 2007, suite à une signature chez Scarlet Records, le line-up est enfin stabilisé, ils enfoncent le clou avec leur dernier rejeton, 6 Days To Nowhere.

Labyrinth gagne encore en technique, étoffe son jeu tout en gardant son savoir-faire heavy-mélodique ultra-classe et nous gratifie de parties relativement violentes.

Par exemple et pour témoigner de leur savoir-faire, ces parties blast beat, non-coutumières du genre, qui atomisent tout et adoucit par une production claire et net. Un cocktail savoureux à l’épreuve de l’ennui, du pur Labyrinth quoi: du génie.

Le dernier clip, Lost, extrait de ''6 Days To Nowhere''.

Le site officiel du groupe.

Des MP3.

Beholder, peut-être le groupe qui me tient le plus à coeur pour sa progression foudroyante et son charme unique.

En 1998, sous l'impulsion du chanteur Patrick Wire, le groupe se forme pour nous délivrer un heavy-métal assez traditionnel.

Rejoint par des musiciens de talent, le groupe trouve ses marques et arrive à se distinguer de la masse "pasta-métallique" grâce à l'arrivée en 1999 de la jeune et talentueuse Leanan Sidhe. Non seulement mignonne à croquer, elle apporte au groupe une dynamique sensuelle à leur composition qui va définitivement les placer à part.

En 2000, ils s'enrichissent de la venue du guitariste Markus Mayer qui apportera la technique suffisante et surtout un son pour porter le groupe sur des bases assez thrash.

Tout de suite après, ils signent un contrat intéressant avec ''Dragonheart Records'' pour enfin se pencher sur la construction d'un véritable premier album (trois démos ont été sorties avant).

La singularité du keyboardiste Mark Vikar étoffera encore un peu plus leurs mélodies au moment où sort The Legend Begins en 2001.

Des débuts prometteurs, l'album propose un heavy-métal italien mélodique relativement classique mais très bien exécuté. Nous sentons déjà leurs particularités poindre. L'alternance de chant féminin / masculin est très bien exécutée et la formule épique fonctionne à merveille.

Seulement, il restera de petits défauts techniques à corriger, la production faiblarde et surtout que le groupe se libère artistiquement. Ca sera chose faite. Le meilleur reste à venir. La nymphe se transformera en papillon et quel papillon!

En 2002, Wish For Destruction sort et c'est l'hystérie, pas sur les ventes malheureusement, mais sur leur expérimentation, leur production et leur liberté de composition.

Des mélodies fortes et accrocheuses, des tempos rapides, très rapides et des ambiances tour à tour sombres et organiques pouvant très bien s'inclure au sein d'un film.

Un deuxième album qui se fait violence, soutenu par des solos guitare / piano fabuleux et des rythmes très originaux dans le domaine du heavy. Incontournable (cf le lien vers le clip).

Lethal Injection, en 2004, nous conforte largement dans l'idée que nous tenons ici un groupe dont le désir le plus cher est de faire évoluer son style et de proposer activement des choses nouvelles.

Ici, il sera question d'un "cold" heavy métal très synthétique limite futuriste. Une ode à la mélancolie au rythme plus que soutenue: on touche au sublime.

Une sorte d'oeuvre gothique photo-speedée à la luminosité du soleil. Malheureusement, le groupe s'y brûlera les ailes et c'est vraiment dommage que ces talentueux musiciens ne travaillent plus ensemble. Le groupe milanais s'est séparé récemment... Snif...

Des MP3 sur leur site officiel.

Un clip sur YouTube: Wish For Destruction!!!